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Cosa sceglierà la dea Ecate: libera passione o legge? Vita o immortalità? Perché William Blake ha ritratto la potente dea come così sola e persa? I nostri esperti osservano il dipinto e ci dicono cosa sanno e cosa provano.
Il poeta e pittore britannico William Blake (1757–1827) dipinse Ecate nel 1795. È esposto alla Tate Gallery di Londra. I romani chiamavano Ecate «la dea delle tre strade», la dominatrice onnipotente di tutto ciò che accade in queste direzioni. Era raffigurata sotto forma di tre figure collegate dalle loro spalle. Tre delle sue teste guardavano avanti con sicurezza, ognuna nella propria direzione.
Nel dipinto di William Blake, Ecate è raffigurata in violazione del canone: le figure sono separate l'una dall'altra. Due sono uno di fronte all'altro e il terzo generalmente guarda da qualche parte di lato.
1. Figura centrale
Maria Revyakina, storica dell'arte: “Il misticismo dell'opera è enfatizzato dalla combinazione di colori cupi, dal bizzarro gioco di linee e dalla violazione della prospettiva e della composizione tradizionali. Solo il personaggio principale sembra essere un'entità reale, e tutto il resto sembra vivere una propria vita separata in un altro mondo.
Andrey Rossokhin, psicoanalista: “Vedo in questa violazione del canone un chiaro rifiuto del potere sullo spazio. Rifiuto (o incapacità?) di indicare la direzione.
2. Mani e piedi maschili
Maria Revyakina: “L'attenzione è attirata dalle mani maschili e dai piedi massicci di Ecate: la mascolinità in questo caso funge da simbolo di forza e potere. Dietro l'aspetto femminile sognante si nasconde un enorme potere, che, a quanto pare, spaventa l'eroina stessa.
Andrey Rossokin: “La figura principale di Ecate ricorda il Demone Vrubel: la stessa posa, la stessa bisessualità, una combinazione di maschio e femmina. Ma il Demone è estremamente appassionato, pronto a muoversi, e qui sento una specie di depressione e un'enorme tensione interna. Non c'è potere in questa figura, il suo potere sembra essere bloccato.
3. Vista
Maria Revyakina: «Lo sguardo di Ecate è rivolto verso l'interno, è sola e persino spaventata, ma allo stesso tempo arrogante ed egoista. Chiaramente non è soddisfatta della solitudine e del mondo che la circonda, piena di paura, ma Ecate capisce che ha la sua missione da compiere.
Andrej Rossokhin: «La mano di Ecate giace sul libro (8), questa è sicuramente la Bibbia, come se affermasse la legge, la moralità. Ma allo stesso tempo, il suo viso è distolto dalla Bibbia nella direzione opposta. Molto probabilmente sta guardando un serpente che, come un serpente tentatore (6), vuole sedurla.
4. Figure dietro la schiena
Maria Revyakina: “Le figure dietro sono più simili a una specie di creature senza volto e senza sesso, il colore dei loro capelli contrasta con il colore dei capelli dell'eroina, che è simbolico. Il colore dei capelli scuri era associato alla mente, al misticismo, alla comprensione del cosmo, mentre il colore dei capelli chiari era associato a praticità, terrosità e freddezza. Lo scontro di dualità e trinità in questa immagine non è casuale. Così, l'artista ci mostra Ecate come un'entità solitaria e vulnerabile nella sua incoerenza e unità allo stesso tempo.
Andrey Rossokin: “Le due figure nude che rappresentano le altre due ipostasi della dea sono Adamo ed Eva condizionali. Vorrebbero incontrarsi, unirsi nella passione, ma sono separati da Ecate, che non sa cosa fare. Guardarono in basso, senza osare guardarsi l'un l'altro. Le loro mani sono impotenti abbassate o addirittura rimosse dietro la schiena. I genitali sono chiusi. E allo stesso tempo, la stessa Ecate, lasciate che ve lo ricordi, guarda negli occhi il tentatore e tiene la mano sulla Bibbia. Sembra paralizzata, incapace di scegliere l'una o l'altra".
5. Personaggi minori
Maria Revyakina: “Sul lato sinistro dell'immagine vediamo un gufo (5), che nell'antichità era considerato un simbolo di saggezza, ma in seguito divenne un simbolo di oscurità e male. Il serpente (6) è insidioso e astuto, ma allo stesso tempo è saggio, immortale, possiede conoscenza. Sia il gufo che il serpente sono tesi. Solo l'asino (7), la cui immagine è associata alla conoscenza del destino, è calmo. Sembrava rassegnarsi, sottomettendosi a Ecate (dalla mitologia, sappiamo che Zeus diede a Ecate il potere sul destino). La sua pace contrasta con la tensione generale».
Andrey Rossokin: “C'è un evidente conflitto tra corpo e spirito, passione e proibizione, paganesimo e cristianesimo. Ecate, donna fallica dalla colossale onnipotenza, qui assume sembianze umane, comincia a lasciarsi sedurre dalla sessualità, ma non sa fare una scelta né a favore della sua potenza divina né a favore delle gioie terrene. Gli occhi del gufo (5) hanno la stessa lucentezza rossastra di quelli del serpente. Il gufo assomiglia a un bambino piccolo preso in fantasie sessuali, i cui occhi sono spalancati per l'eccitazione. Il drago (9), che vola con le ali spiegate sullo sfondo, è come un superio che guarda. Veglia su Ecate ed è pronto a divorarla se sceglie di diventare una donna mortale. Se riacquista il potere della dea, il drago volerà umilmente via.
La voce dell'inconscio
Andrey Rossokin: “Percepisco l'immagine come il sogno di Blake. E percepisco tutte le immagini come le voci del suo inconscio. Blake venerava la Bibbia, ma allo stesso tempo cantava d'amore, libero da dogmi e divieti. Ha sempre vissuto con questo conflitto nell'anima, e soprattutto all'età in cui ha dipinto il quadro. Blake non sa come trovare un equilibrio, come coniugare la forza pagana, la sessualità, la libertà dei sentimenti con la legge e la morale cristiana. E l'immagine riflette il più possibile questo conflitto.
Tipicamente, la figura più grande qui è l'asino (7). È sempre presente nelle immagini della Natività di Cristo, accanto alla mangiatoia dove giace Gesù, e quindi lo percepisco come un simbolo cristiano. Secondo Blake, Cristo doveva armonizzare il corpo e l'anima, cedere il posto alla sessualità. E quindi nella sua nascita ho visto qualcosa di risolutivo, di gioioso. Ma non c'è una tale armonia nell'immagine. La risoluzione del conflitto non è avvenuta né nella vita dell'artista, né in seguito.